28.2.09

Mexicanos disfrutarán de un "Don Giovanni" de Mozart muy "sexy y chistoso"

Los habitantes de Ciudad de México podrán disfrutar de la ópera "Don Giovanni", de Mozart, con un protagonista chistoso, sexy y lleno de contrastes dentro de un festival que se celebrará el mes próximo, dijeron hoy sus organizadores.

"'Don Giovanni' nos parece una provocación para el alto contraste (...) en donde hay un encuentro ideológico entre la razón y la pasión, y al interior de ese conflicto básico hay pequeñas paradojas o contradicciones dentro del personaje", dijo en una rueda de prensa el director de escena de la ópera, Mauricio García.

Esa ópera de Mozart aborda la leyenda de Don Juan, un personaje libertino y seductor de mujeres, a través de un drama cómico.

García aseguró que en la obra se muestran fuertes contrastes y "todo está sujeto a convertirse en su contrario muy rápido, es decir, lo chistoso se convierte en trágico, lo lírico en rabioso en cualquier momento, lo suave en fuerte".

Opinó que va a ser "una obra divertidísima, chistosísima y muy sexy, supersexy", porque está basada en "la pulsión erótica".

El barítono estadounidense Christopher Schandenbrand, quien interpretará a Don Giovanni, explicó que no presentará a su personaje como un ser oscuro, demoniaco o manipulador, sino como a "un amante".

"Todo lo que hace está determinado porque siente que tiene que satisfacer los deseos de todas las mujeres porque es su deber", indicó.

En el elenco destacan la soprano rumana Catarina Coresi, la soprano canadiense Kimy McLaren, el bajo ruso Mikhail Kolelishvili, el tenor mexicano Raúl Hernández, la soprano mexicana Lucía Salas y el bajo-barítono mexicano Jesús Ibarra, entre otros.

El maestro concertador de la ópera, Philip Pickett, dijo que el público no va a escuchar a un Mozart tipo "pastel con nata", sino más bien a uno "de sangre caliente", como debió de serlo cuando escribió "Don Giovanni", a pesar de que la representación se ha ido suavizando desde el siglo XIX.

Para Pickett, lo más importante es que "musical y dramáticamente 'Don Giovanni' es la mejor ópera de Mozart", y por eso siempre fue su sueño dirigirla.

Esta coproducción del Festival de México y de la Compañía Nacional de Ópera se presentará el 12, 15, 19 y 22 de marzo en el teatro capitalino.

21.2.09

Se viene el Strip Dance de Lorena Liggi

Tras el levantamiento que sufrirá la obra "Humor ardiente", obra encabezada por Torri, la vedette hará un show erótico, que confirmó para este lunes, en la puerta del teatro a modo de protesta. La rubia sigue firme en su idea y asegura que no se arrepentirá.


Las diferencias entre Torri y el productor teatral, Gustavo Benzaquén, precipitaron el final de la obra "Humor ardiente", que se presenta en el teatro La Campana de Mar del Plata.

Luego se haber informado que el lunes pasado fue su última función, la vedette Lorena Liggi admitió que tenía compromisos económicos y que esta decisión la damnificaba.

Si bien, como muestra de protesta, había dicho que haría un strip dance en las puertas del teatro, la idea no estaba confirmada.

Sin embargo, y pese a las especulaciones, Lorena volvió a insistir que este lunes hará el show erótico sin importar cuales sean los resultados. Aunque, sin lugar a dudas, una gran audiencia la esperará para aplaudirla de pie.

Amor y violencia en el escenario

El festival Veo apuesta cada año por las compañías valencianas con las que trabaja en una serie de espectáculos creados a propósito para este certamen.

La produccción del año corre a cargo de la compañía valenciana Taiat Dansa, que estrenó el pasado martes en L'Almudín el espectáculo La otra parte. La pieza se puede ver hoy, el sábado y el domingo a las 21 horas.

Se trata de una producción propia del certamen en la que las bailarinas Meritxell Barbera e Inma García, junto a los expertos en artes marciales Borja Lull y Aarón Feliu han compuesto un tríptico sobre la violencia que acumula el ser humano en su interior, el modo en que la manifiesta y cómo influye en la relación con otras personas.

La otra parte es, según sus creadoras, un experimento, una apuesta, un juego que viaja al interior de las relaciones violentas. "Estamos en contra de la violencia pero todos somos violentos y esa dicotomía nos atormenta", aseguran fuentes de la compañía.


Del amor al odio
Sobre el singular escenario de L'Almudín los cuatro sujetos pasarán por diversos estados anímicos: del amor al odio y viceversa. Una coreografía que salta libremente del lenguaje dancístico contemporáneo al de las artes marciales. Golpes de efecto, puñetazos directos, mordiscos y abrazos eróticos bajo la dirección musical de Caldo son los ingredientes de este montaje.

Taiat Dansa es una joven compañía consolidada en la Comunitat Valenciana. Sus precursoras, Meritxell Barberá e Inma García, decidieron iniciar su camino dentro de la investigación y la creación coreográfica en el año 1999. A partir de entonces, inician un largo recorrido que se ha labrado a través de las piezas Nada, Amor Fou, La Odisea de un actor secundario, Deriva, Memoria Azul y Laika.

Hasta mañana se puede ver también en el certamen el último trtabajo de El Pont Flotant. Ejercicios de amor se representa en el Casal d'Esplai del Saler y es una manera particular de celebrar la unión entre las personas, una celebración sencilla e íntima a medio camino entre el teatro y la realidad, donde el espectador es el invitado. Una gran fiesta escénica coproducida entre el Festival VEO y Teatres de la Generalitat.

Un paseo en autobús al Casal d'Esplai de El Saler, lejos de los claxon y las luces de la ciudad, un espacio aislado de la realidad cotidiana para reflexionar a propósito de las relaciones entre los seres humanos y donde poder ilusionarnos en los dos sentidos en la palabra: la ilusión como mentira y también como deseo.

El Pont Flotant juega con los elementos de la nostalgia y del amor, y donde el espectador participa de forma activa en esta propuesta.

El Pont Flotant es una compañía formada por cinco miembros que, al acabar sus estudios en la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia deciden reunirse para hacer teatro. De esta unión surge una compañía estable de trabajo desde el año 2000 que les ha permitido construir espectáculos.

20.2.09

La conversión de Claudia Koll

Claudia Koll, una de las actrices italianas de mayor éxito, ha descubierto junto a Cristo que su vida profesional puede tener una fecundidad nunca antes sospechada.

Uno de los frutos de su conversión al cristianismo es su implicación en la nueva academia de espectáculo Star Rose Academy, con sede en Roma, que pretender formar a jóvenes artistas profesionalmente, presentando valores profundos.

Claudia Koll, nacida en esta ciudad el 17 de mayo de 1965, tras estudiar actuación con Susan Strasberg y Geraldine Baron en el Drama Course, así como con Yves Le Baron en "Le Coq School", desempeñó su primer papel de cine como protagonista en 1992 en un filme erótico de Tinto Brass.

Actriz de teatro, cine y televisión ha destacado al lado de Antonio Banderas en la cinta para televisión "El joven Mussolini".

Ahora bien, después de una larga trayectoria en el mundo del espectáculo se dio cuenta de que algo le faltaba y cambia su vida así como su trabajo.

Inicia acciones de voluntariado y de beneficencia en varias partes de África e Italia. Su vida toma un nuevo rumbo pero no deja su carrera de actriz. Hoy explica en esta entrevista a ZENIT qué significa ser actriz desde esta nueva óptica cristiana.

"Significa no tener miedo a ser uno mismo, a encontrar un modo personal de actuar, y no de acuerdo a los modelos fijos, sino hacer un viaje al interior y, cuando se es auténtico en la búsqueda de sí mismo, necesariamente se busca también a Dios", comenta.

Claudia Koll explica el giro que dio tras su conversión a la hora de escoger nuevos personajes.

"Fue un periodo en el que dejé de trabajar porque no recibía guiones interesantes, con personajes positivos que pudiera interpretar. Me llegaban, en cambio, lecturas, por ejemplo, del Cantar de los cantares, un libro de la Biblia, muy bello, maravilloso. Para interpretarlo era necesario estudiar, profundizar, porque cada palabra es densa, está llena de significado pero también era necesario rezar".

A partir de ahí "he tenido que aproximarme al texto no de manera superficial sino estudiándolo y también rezando. Y esta armonía de estudio y oración me puso en contacto con la profundidad del Espíritu Santo", confiesa.

Respecto a su trabajo como profesora en Roma de una Academia para jóvenes promesas basada en valores, reconoce que su objetivo es enseñar a la luz de su experiencia personal.

"En el pasado hice cursos de actuación clásica italiana y americana que son de algún modo una enseñanza de acuerdo al método americano de 'vivir el personaje'".

Ahora su método de enseñanza, aclara, se ve enriquecido por la visión cristiana, pues, "el Señor me liberó de tantas ataduras"".

Agrega que el Espíritu Santo se ha convertido ahora en su guía incluso en la interpretación de un personaje.

Con su conversión, explica, "vi que el Señor me estaba enseñando, y me decía que me acompañaba con su Espíritu, no sólo por lo que suponía la posibilidad de ser testigo del encuentro con Él, sino también en mi trabajo, porque el Espíritu Santo está siempre con nosotros, y entonces es necesario aprender a comunicarnos con Él, a dejarnos guiar por Él. Esta es la riqueza más grande que el Señor me ha dado en mi trabajo".

Viña Machado y sus ‘dos maridos’ sobre tablas


La actriz y modelo protagonizará unto a Luis Fernando Montoya y Carlos Mariño, la próxima temporada de “Doña Flor y sus dos maridos” en el teatro Arlequín. Detalles de la obra en video.

Bajo la dirección de Jorge Alí Triana, la obra escrita por Jorge Amado en 1966, vuelve a las tablas para divertir y disparar el tabú en torno al sexo con alta dosis de drama y comedia.

Viña Machado interpretará a “Doña Flor”, una hermosa mujer que se da el lujo de compartir su vida con dos hombres, a los que puede decir que son su maridos.

Lujuria, prejuicios y creencias propias de la época en un montaje que pretende de una manera realista exponer el pensamiento poético y erótico de Jorge Amado.

Ana María Kamper, Marcela Posada, Julio Escallón, Vicky Rueda, James Vargas, Bárbara Perea, Tatiana Jauregui y Linnett Hernández, complementan el elenco de la obra que se presentará al público a partir del próximo 5 de marzo de jueves a sábado en el Teatro Arlequín.

18.2.09

Cuenta cuentos erótico en el Teatro Janagah

Cuenta cuentos… no todos son para niños

Aquel o aquella persona que nos ama, es la persona que sabe sacar la mejor versión de nosotr@s mism@s.

Todo un deleite de sabores, formas y aromas del placer, que a través de los cuentos sugerentes y los hechizos embriagadores de “La Bruja”, las fuerzas de los instintos más profundos se proyectarán sobre ti con imágenes sorprendentes en tu mente, sensaciones burbujeantes por tus entrañas y te seducirá hasta caer en un mundo de fantasía y erotismo, lleno de sutilezas y elegancia. No faltes a la cita….

Anabel Cherubito volverá a desnudarse

La actriz española reemplazará a Viviana Saccone en la obra "En la cama"

La española Anabel Cherubito ha hecho pública una nota reproducida por Magazine en la que indica que volverá a desnudarse.


Sin embargo, no será para la revista Playboy, sino que lo realizará en "En la cama", la obra teatral que aborda el sexo, infidelidad y fantasías eróticas que hasta ahora, realizaba la actriz Viviana Saccone.

Saccone se desvinculará de la obra para continuar con un proyecto personal junto a su pareja.

17.2.09

Llega el teatro erótico XXX a México

La puesta en escena La Fura dels Baus vendrá a México a presentar su espectáculo en el D.F., Guadalajara y Monterrey.


EFE.-La compañía teatral española La Fura dels Baus presentará en México entre el 22 de abril y el 9 de mayo su espectáculo "XXX", un montaje en el que ofrece una mirada rompedora al género erótico.

La Fura actuará en el Distrito Federal, en Guadalajara y en Monterrey dentro de una gira internacional que le ha llevado hasta Australia, informaron fuentes de la compañía teatral.

El espectáculo, que lleva en cartelera más de un año, está basado en "La filosofía en el tocador", una obra escrita por el Marqués de Sade en 1795.

Narra la perversión, por parte de un grupo de libertinos, de una joven llamada Eugénie que llega a una prueba pensando que se trata de un espectáculo erótico y acaba adentrándose en el mundo de la pornografía.

Dirigido por Alex Ollé y Carlos Padrissa, el montaje mezcla, como es habitual en el grupo originario de la región de Cataluña (este), distintas disciplinas y juega con la sugestión presentando un universo hiper-real mediante proyecciones sobre el cuerpo de los actores que se combinan con sus movimientos reales.

Las escenas sexuales se alternan con discursos filosóficos sobre distintos temas relacionados con el libertinaje.

Transformismo y homosexualidad

El transformismo es un sustantivo usado para referirse en su mayoría a personas de sexo masculino que ocasionalmente adoptan los modismos culturales (maquillaje, vestimenta, gestos, forma de hablar) que, convencionalmente, se le asignan al sexo contrario. Esto puede estar relacionado o no con la identidad sexual.

Muchas culturas incluyen esta práctica como una expresión artística, como es el caso de los onnagatas del teatro kabuki japonés, o los actores masculinos que representaban roles femeninos en la ópera tradicional china, así como también se acostumbraba en el antiguo teatro de algunos países de Europa.
Un ejemplo moderno podrían ser las películas hollywoodenses “Víctor Victoria” (1982) y “Tootsie” (1982).

Otro concepto

La homosexualidad es una orientación sexual y se define como el comportamiento, la interacción sexual o atracción erótica hacia individuos del mismo sexo.

Etimológicamente, la palabra homosexual es un híbrido del griego homos (derivado del sustantivo latino homo, que quiere decir hombre) y del adjetivo latino sexualis, lo que sugiere una relación sexual y/o sentimental entre personas del mismo sexo, incluido el lesbianismo.

El término gay, que en inglés clásico significa alegre, suele emplearse para referirse a los hombres homosexuales, y el término lesbiana para referirse a las mujeres. Desde 1973, la comunidad científica internacional considera que la homosexualidad no es una enfermedad. Sin embargo, la situación legal y social de la gente que se autodenomina homosexual varía mucho de un país a otro y frecuentemente es objeto de polémicas.

El término homosexual fue empleado por primera vez en 1869 por Karl-Maria Kertbeny, y el libro “Psychopathia Sexualis”, de Richard Freiherr von Krafft-Ebing, popularizó el concepto en 1886. Desde entonces, la homosexualidad se ha convertido en objeto de intenso estudio y debate: inicialmente se catalogó como una enfermedad, trastorno o patología que había que curar, pero actualmente se entiende como parte integral necesaria para comprender la biología, psicología, política, genética, historia y variaciones culturales de las identidades y prácticas sexuales de los seres humanos.

16.2.09

El porno: mercancía, simulacro e individualismo social

Se mira mucho y habla poco. Para algunos, es refugio de fantasías que no pueden concretar con sus parejas; para otros, estimulación adictiva para el coito. Las nuevas generaciones ya lo producen en celulares o en camaritas digitales. El porno, en silencio, invade la cotidianeidad social. ¿Qué nos está pasando con el cuerpo?, ¿Habremos caído en la abulia de la seducción?, ¿Hasta donde Internet es una herramienta de transformación cultural positiva?


Tres obras literarias clásicas de contenido porno-erótico leí en mi vida: La primera, “Memorias de una princesa Rusa” (Sileno Editorial. Bs. As. 1993) de autor anónimo, probablemente escrito entre 1796 y 1800, relata los caprichos sexuales de la princesa Vávara Softa, propietaria de una legión de siervos, hombres y mujeres, bajo el reinado de su madre Catalina II “La grande” en La Rusia Imperial. Una especie de versión femenina del Marqués de Sade.

La segunda, “Filosofía en el tocador” (Tusquets, Bs. As./2000) del Marqués de Sade, escrita en 1795, trata de las formas de iniciación sexual que imparten un caballero y una Madame a dos jovencitos, a los cuales se van sumando otros, en un amplio baño de un palacio. Escrita en siete diálogos ardientes más un manifiesto “a los libertinos”, Sade esgrime una defensa del libertinaje sexual sin precedentes para la época, así como una feroz crítica a la doble moral burguesa, propia de la clase que influyó en la revolución de 1789, a la vez que para conservar su poder frente al proletariado campesino, a quienes reprime duramente, tomará elementos ideológicos de la nobleza. Como no podría ser de otro modo, el marqués, por entonces será encarcelado y luego sometido a un hospicio.

La tercera, “El decamerón” (selección de cuentos. Biblioteca Pagina 12 -33- ) de Giovanni Boccaccio, adaptada al cine por el polémico Pier Paolo Pasolini en 1971, consta de una serie de cien relatos cortos publicados a mediados del siglo XIV. La excusa de la obra es la peste negra que azota a Florencia hacia 1348, de la cual han huido siete mujeres y tres hombres, refugiándose en una posada confortable. Cada uno deberá contar diez relatos de diferente temática bajo tres ejes: los religiosos, la riqueza y las experiencias sexuales hot de las señoras de alta sociedad.

Sexualidad, perversidad y política

En el cine, no podemos omitir la maldita película de Pasolini: “saló o los 120 días de sodoma” (1975), último film del director italiano, adaptación de la obra literaria del Marqués de Sade, a partir del cual, se especula, le valió su asesinato por la crítica más extrema que se haya conocido contra el fascismo. En la República fascista de Saló, el director recrea la obra en un mar de perversiones agonistas de parte de funcionarios del régimen. Pasolini fue asesinado el 2 de noviembre de 1975, en un burdel. El uso que Pasolini hizo del erotismo, la violencia y la depravación humana en obras como 'Porcile' (1969), 'El Decameron' (1971) y especialmente su última película, 'Saló o los 120 días de Sodoma', le enemistaron con la Iglesia Católica y con los sectores conservadores de la sociedad italiana.
Hay otros escritos de época donde sexo, libertinaje y lujuria constituyen las excusas para retratar la sociedad del momento, fundamentalmente, orientadas a destripar la conciencia hipócrita que imponían los clérigos, la doble moral burguesa y el autoritarismo. No obstante, las tres obras mencionadas, fueron prohibidas en su época durante décadas.

Otro trabajo descollante será el que Peter Brook llevara al cine: la obra de teatro de Peter Weiss, cuyo título original es “Persecución y asesinato de Jean-Paul Marat representados por el grupo teatral de la casa de salud de Charenton bajo la dirección del señor de Sade”. Sí, así de largo, aunque comúnmente conocida como “Marat-Sade”. El Marqués de Sade, encerrado en el hospital psiquiátrico de Charenton, dirige una obra teatral, representada por los propios enfermos, en la que se recrea la muerte del jacobino Jean-Paul Marat. La película de 3 horas de duración es un delirante retrato que confunde realidad y ficción, a la vez que permite descifrar a través de los diálogos, las posiciones políticas, religiosas e ideológicas posrevolución francesa.

Pornografiando con el celular

En la era audiovisual, cada vez es más difícil toparse con un libro que relate sesiones de erotismo y pornografía. Si bien se editan, la predominancia tecnológica se impone, por tanto, el erotismo literario queda cercado en un refugio del consumo para algunos que ponderan la fantasía del relato sobre la imagen. Algún que otro cuento de Bukowsky en “se busca una mujer” (Anagrama, Barcelona 1990), recuerdo “amor por 17,50$”, no precisamente pornográfico pero con algunos atisbos del género o de Jorge Asís, tampoco estrictamente porno –se me ocurre “la manifestación” (1971) donde relata experiencias orgiásticas con militantes trotskistas en los años 70.

Ahora sí, por Internet, se divulgan miles de blogs, especies de confesionarios que cuentan intimidades lujuriosas al por mayor. Las revistas de sexo explícito, si bien siguen editándose contra la corriente multimedia, fueron siempre guarida para adolescentes en plena era masturbatoria o arrimo para esposos que buscaban estimulación para el coito. Mientras, la extensa trayectoria del cine XXX y las páginas en Internet, han ganado por millones de kilómetros la carrera a los anteriores formatos.

El porno es un género, primero literario, y luego cinematográfico. Este último tiene una larga tradición, especialmente en los EEUU, mayor productor y consumidor mundial del género. Hay directores de culto por estos años que en la historia del cine ya entraron al Olimpo. Son desconocidos para el gran público –se me ocurre porque lo menos que uno puede recordar si ve una película porno es el nombre del director y el de los actores-.

Hace unos años la televisión satelital incorporó canales “pay per view”, apuntando a un público masivo. ¿Quienes consumen estos formatos nuevos?, bueno, parece que no hay mucho que decir. Son los sectores de más altos recursos, quienes además de tener DirecTV o alguna señal por cable, se pueden dar esos “lujitos” de cierta burguesía lujuriosa, “a dios rezando y con el porno evacuando”.

Del porno gráfico a la red y de allí a la webcam, el antiguo consumidor se está convirtiendo en productor y en sujeto porno. Son aquellos que filman fellatios y los suben a la web o realizan una puesta lésbica con una camarita digital. Lo que comúnmente en los sitios XXX se les denomina porno casero. En términos del filósofo Michel Foucault (Historia de la sexualidad, 1976) diríamos: la exhibición de “las sexualidades periféricas”.

¿Qué es el porno entonces?; les ofrezco la descripción del sociólogo Cristina Ferrer:

“Un tipo especial de belleza femenina es homenajeada, a su manera, por la pornografía. Es la intimidad despatarrada: las contorsiones imposibles; la mirada lujuriosa o impenetrable; la boca en cuarto creciente desplazando a las demás facciones; la voz enfatizada hacia el ronroneo o la procacidad; las piernas disparadas hacia ángulos inverosímiles; la lengua puesta a hablar por sí misma; la actitud de irónica sumisión o de urgencia hormonal; la sonrisa triunfante o perversa; el pecho ceñido con dos garras; la cola desenfundada sin tapujos; las exclamaciones y jadeos que parecen emitidos como por un altavoz vúlvico o anal; el cuerpo arrastrado por el piso; en fin, la derrota del pudor. Es la belleza que florece en los burdeles, la que germina primordialmente desde la parte de "animalitas" de la condición humana. La pornografía es la fiesta de los minotauros: mitad humanos, mitad animales salvajes”.

El porno como mercancía artística

La multiplicidad de expresiones del porno y el erotismo tienen base en la explosión cultural de los sesenta. La utopía de la revolución sexual, la bandera del sexo libre, tuvo eco en los países centrales especialmente. Ese contexto, llamaremos “libertario”, se transformó en el humus cultural para el desarrollo del negocio erótico y la pornografía. En algunos países como Holanda, la exhibición del mercado carnal constituyó un paradigma que irradió al mundo occidental valores de aceptación de las sexualidades periféricas. El sexo, será mercancía capitalista.

El famoso “barrio rojo” en Amsterdam da cuenta de ello. En vidrieras, al mejor estilo comercial, uno puede encontrar la oferta sexual más variada: sex shops, sexo en vivo en mini salas, cine triple X, mujeres de todos los continentes que tras el vidrio se muestran, hacen señas, posan e invitan al paseante. Pude comprobarlo personalmente –viví 4 meses allí en el año 1990- y deambular por esas callecitas con locales apretados, atestadas de turistas. Por la zona, uno de los mayores atractivos es el “Museo del Sexo” en la calle principal del micro centro de la ciudad. Algo así como si en la galería caracol de calle San Martín tuviéramos un Museo del Sexo mendocino. http://www.sexmuseumamsterdam.nl/index2.html

Los españoles, tras la “movida madrileña” posfranquista de los 80, vivieron la experiencia del destape sexual. Hoy es uno de los lugares de referencia para la oferta turística. Mirá la guía del ocio que ofrecen los españoles:
http://www.guiadelocio.com/superespeciales/mostrarespecial.cfm?id_super=7538&plantilla=10592&referente=0
Por estos días, una particular muestra de arte en una galería de Viena ha causado revuelo, justamente por exhibir objetos y obras que tienen foco en la temática porno.
http://www.mdzol.com/mdz/nota/103396
Lo cierto es que el mundo pornográfico revela una especie de hiperrealidad, comunica fríamente lo que antes pertenecía al terreno de la pasión y el secreto, la seducción y el ritual social. Como planteó el sociólogo francés Jean Baudrillard: “En muchos casos, nuestra imaginería erótica y pornográfica, toda esa panoplia de senos, nalgas y sexos, no tiene más sentido que éste: expresar la inútil objetividad de las cosas. La desnudez sólo sirve como intento desesperado para subrayar la existencia de algo. El culo no es más que efecto especial. Lo sexual no es más que un ritual de la transparencia. Antes había que esconderlo, hoy en cambio sirve para esconder la raquítica realidad, y también para participar, claro está, de esta pasión desencarnada”.

Anabel Cherubito "En la cama"

Hará un desnudo

La actriz española reemplazará a Viviana Saccone en la obra "En la cama", dado que la actriz, al regresar a Buenos Aires, se desvinculará de la obra para continuar con un proyecto infantil planificado junto a su novio. Es por ello que la española se postula como reemplazante.

La actriz española reemplazará a Viviana Saccone en la obra "En la cama", dado que la actriz, al regresar a Buenos Aires, se desvinculará de la obra para continuar con un proyecto infantil planificado junto a su novio. Es por ello que la española se postula como reemplazante.

La española Anabel Cherubito informó en una nota hecha para Magazine que volverá a desnudarse.

Sin embargo, no será nuevamente para la revista Playboy, sino que lo realizará en "En la cama", la obra teatral acerca del sexo, infidelidad y fantasías eróticas que hasta ahora realizaba la actriz Viviana Saccone.

Esto se debe a que Saccone, quien ocupaba ese lugar, se desvinculará de la obra para continuar con un proyecto personal junto a su pareja.

Anabel Cherubito informó que le encanta la obra y no se siente avergonzada por tener que mostrarse desnuda en público para realizar la exitosa pieza teatral.

13.2.09

Pitt y Rourke: cara a cara en los Oscar

Los candidatos: Mickey Rourke, Richard Jenkins, Brad Pitt,Seann Penn y Frank Langella.

Mickey Rourke ya ha recibido varios premios por 'El luchador'.Para Brad Pitt es su segunda nominación, y la primera para Rourke.Compiten con los veteranos Frank Langella y Richard Jenkins, y el oscarizado Sean Penn.

Al contrario que Mickey Rourke por El luchador, y el gran favorito para hacerse con el Oscar, Brad Pitt no ha obtenido ningún premio todavía por su interpretación en El curioso caso de Benjamin Button. Mientras que Rourke suma ya 9 galardones, entre ellos el BAFTA del cine británico y el Globo de Oro.

Pero también es cierto que los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en Los Ángeles podrían inclinarse por reconocer finalmente uno de los grandes iconos de belleza masculina, y uno de los actores más taquilleros del cine.

Entre el resto de candidatos, toda una institución como es el veterano Frank Langella ; la sorpresa de las nominaciones en el apartado de mejor actor este año, Richard Jenkins ; y el oscarizado Sean Penn .

Brad Pitt por El curioso caso de Benjamin Button

Es su segunda nominación. Su primera candidatura, como secundario, fue por Doce monos (1995).


Tiene 45 años. Dejó sus estudios de periodismo para dedicarse a la interpretación, e incluso llegó a trabajar en la cadena de comidas especializadas El pollo loco.

Su primer papel relevante fue en Thelma y Louise (1991), junto a Susan Sarandon y Geena Davis , y al año siguiente rodó El río de la vida a las órdenes de Robert Redford , quien lo calificó como su sucesor. Poco después, títulos como Entrevista con el vampiro, Leyendas de pasión o Seven consolidarían su status de estrella.

Gracias a la película de David Fincher ha obtenido su primera nominación como actor protagonista, encarnando a un hombre que nace con el aspecto y el cuerpo de ochenta años y va rejuveneciendo con el tiempo.

Y lo próximo que podremos ver de Brad Pitt será: Malditos bastardos (Inglorious Basterds) de Tarantino , que se estrena en EE.UU. el 21 de agosto; y The Tree of Life, de Terrence Malick .


Frank Langella por El desafío: Frost contra Nixon

A sus 71 años representa su primera nominación al Oscar. En cambio, sí que ha sido galardonado con el Tony (los Oscar del teatro).


Actor de imponente presencia y carisma, debutó en 1970 con Diario de una esposa desesperada y la comedia de Mel Brooks El misterio de las doce sillas. Pero la interpretación que le haría mundialmente famoso sería la de Drácula , en el filme de 1979 coprotagonizado por Laurence Olivier .

Entre sus películas más recordadas, La isla de las cabezas cortadas; La novena puerta; Buenas noches, y buena suerte o Superman Returns.

En la película de Ron Howard asume meterse en la piel del defenestrado ex presidente norteamericano Richard Nixon, enfrascado en un duelo televisivo con el cómico y presentador David Frost. Éste intentará arrancarle, a lo largo de una serie de entrevistas, una confesión pública de su implicación en el escándalo Watergate.

Y lo próximo que podremos ver de Frank Langella será: el thriller de terror The Box, de Richard Kelly , o la intrigante All Good Things, junto a Kirsten Dunst .


Mickey Rourke por El luchador (The Wrestler)


Para él es también su primera nominación al Oscar, aunque se esperaba que fuera uno de los candidatos al mejor actor de reparto hace 4 años por Sin City .

Tiene 56 años y su nombre real es Philip Andre Rourke Jr. (lo cambió por Mickey en honor a uno de sus ídolos del beisbol). Es conocido por su carácter fuerte y difícil. Una de sus ex parejas, la actriz Carré Otis le llegó incluso a denunciar por malos tratos. Y reconocidos han sido sus problemas con el alcohol.

En cine debutó en 1979 y de la mano de Spielberg con 1941. Luego llegaron papeles secundarios en, por ejemplo, Fuego en el cuerpo, Diner o La ley de la calle. Hasta que el drama erótico Nueve semanas y media , junto a Kim Basinger, le convertiría en uno de los sex symbols ochenteros, destacando también en Manhattan Sur.

En 1991 se dedicó, sin éxito y durante 4 años, a su otra gran afición: el boxeo profesional. También inició su declive como estrella, acompañado de numerosas operaciones de cirugía plástica para eliminar las marcas que le dejaron los golpes en el ring. Y aunque nunca ha dejado de intervenir en películas, títulos como Domino o Sin City le permitieron levantar cabeza.

Su interpretación en el filme de Darren Aronofsky ha sido vista con paralelismos con su vida real, por encarnar a un púgil (de lucha libre) que conoció tiempos mejores en los ochenta para resurgir cual Ave Fénix ante la crítica y el público.

Y lo próximo que podremos ver de Mickey Rourke será: destacan sus participaciones en 13 (remake de 13 Tzameti ), la secuela de Sin City, The expendables (el filme dirigido y protagonizado por Stallone ) o Iron Man 2.


Richard Jenkins por The Visitor

También representa la primera nominación al Oscar para este actor de 61 años.

Sus trabajos más relevantes han sido en teatro y televisión, como en la famosa serie A dos metros bajo tierra. En cine ha sido un eterno secundario, y empezó con títulos como Silverado, Hannah y sus hermanas (de Woody Allen) o Las brujas de Eastwick.

De sus interpretaciones más recientes, destacan las realizadas con los hermanos Coen en El hombre que nunca estuvo allí, Crueldad intolerable o Quemar después de leer.

The Visitor tiene fecha de estreno en España el 18 de abril. Encarna a un viejo profesor de universidad desencantando y sin apenas ilusiones. Cuando acuda a su apartamento de Manhattan para asistir a una conferencia, se encontrará con que está ocupado por una joven pareja, un sirio y una senegalesa, víctimas de una estafa inmobiliaria. Aceptará que se queden y ello dará un vuelco inesperado a su vida.

Y lo próximo que podremos ver de Richard Jenkins será: también se le agolpan los proyectos, como el melodrama Dear John, de Lasse Hallström ; o The Rum Diarym de Bruce Robinson .


Sean Penn por Mi nombre es Harvey Milk

Es su quinta nominación, y todas ellas por papeles protagonistas, tras Pena de muerte, Acordes y desacuerdos, Yo soy Sam y Mystic River, de Clint Eastwood , que le aportó la dorada estatuilla.

Tiene 48 años y su fama de problemático es compatible con su status de estrella y su afán de compromiso social y político. Como presidente del Jurado en la pasada edición del Festival de Cannes ya dejó muy clara que su idea era la de premiar "una película artística que fuera comprometida con su tiempo" (la ganadora fue La clase ).

Sus inicios fueron en productos intrascendentes, como Taps, más allá del honor (1981) o Aquel excitante curso (1982), y aunque rápidamente llamó la atención de directores como Brian De Palma o Neil Jordan , lo que le colocó en el primer plano de la actualidad fue su matrimonio, durante 4 años, con Madonna .

A principios de los noventa empezaron a llegar algunas de sus mejores interpretaciones, Atrapado por su pasado o Pena de muerte, al mismo tiempo que hacia sus pinitos como director en Extraño vínculo de sangre (1991).

Y si Frank Langella es un ex presidente en El desafío: Frost contra Nixon, Sean Penn encarna a otro político, Harvey Milk, el primer hombre que se reconoció públicamente como homosexual y fue elegido para un cargo público en Estados Unidos. Un icono tanto de la ciudad de San Francisco como de los movimientos gay de la época de los setenta.

Y lo próximo que podremos ver de Sean Penn será: coincidiendo precisamente con Brad Pitt en The Tree of Life.

12.2.09

Julia Roberts

Regreso por la puerta grande con romance, comedia y suspenso


THE NEW YORK TIMES MICHAEL CIEPLY

En los últimos ocho años, Julia Roberts se convirtió en madre, incursionó en Broadway (en "Three days of rain") y aportó las voces para una araña (en "La telaraña de Charlotte") y una hormiga (en "Ant Bully: las aventuras de Lucas"). El mes próximo vuelve, en un papel inesperado para una actriz que ha sido la mayor estrella de sexo femenino de Hollywood en la última década.

Mientras muchos en el mundo del cine han dirigido sus miradas hacia los premios de la Academia, Universal Pictures ha estado trabajando sobre todo en el lanzamiento de su film Duplicity, que se estrenará en Estados Unidos el 20 de marzo. Se trata de una comedia romántica sobre una pareja de empleados de seguridad que tratan de robar a las corporaciones para las que trabajan, y también trampearse el uno al otro.

Escrita y dirigida por Tony Gilroy, quien hizo Michael Clayton, la película reúne a Clive Owen con Roberts en lo que le proporciona a la actriz su primer auténtico papel protagónico desde 2001. En ese año, Roberts había interpretado varias comedias románticas, entre ellas La pareja del año y La mexicana.

¿Se llevará Kate Winslet el preciado Oscar?

Las candidatas: Angelina Jolie, Meryl Streep, Kate Winslet, Melissa Leo y Anne Hathaway.
Ha ganado dos Globos de Oro y el premio BAFTA del cine inglés.Frente a ella se encuentran nada menos que Meryl Streep, Angelina Jolie o la pujante Anne Hathaway.Y casi una desconocida Melissa Leo, que busca también el Oscar

De cara a los Oscar, este parece ser el año de Kate Winslet como mejor actriz. La británica es una de las intérpretes más respetadas y valoradas del momento. Y la fortuna le ha sonreído ya con varios premios, sea por El lector (The Reader), de Stephen Daldry, o Revolutionary Road , dirigida por su marido Sam Mendes.

En los premios más famosos del cine su candidatura es por el filme de Stephen Daldry. Su doblete en los Globos de Oro, como mejor actriz y actriz de reparto (curiosamente por El lector), además de haber obtenido el BAFTA del cine británico el pasado domingo, le posiciona en una situación inmejorable.

Sin embargo, junto a ella está toda una veterana, Meryl Streep; una sex symbol en uno de sus mejores interpretaciones dramáticas, Angelina Jolie; la joven que ya no es una promesa sino toda una realidad, Anne Hathaway; y la que puede ser la gran sorpresa, Melissa Leo, premiada en San Sebastián.

Angelina Jolie por El intercambio

Es su segunda nominación. Y en la primera ya consiguió la estatuilla, como mejor actriz de reparto. Fue por Inocencia interrumpida (1999), cuando tenía 24 años.

Poco después llegaría su consolidación como uno de los iconos eróticos del cine actual encarnando a la voluptuosa y aventurera Lara Croft en Tomb Raider (2001). Hija del oscarizado actor Jon Voight (El regreso), éste prefirió ponerle dos nombres, Angelina Jolie, para que su apellido no fuera un obstáculo si pensaba dedicarse al cine.

Muy consentida durante sus años de juventud, y con fama de rebelde, su primer matrimonio, una ceremonia rápida en Las Vegas, fue con el no menos excéntrico Billy Bob Thornton. Ambos se conocieron durante el rodaje Fuera control (1999). Seis años después, Angelina encontraría de nuevo el amor con el actor más deseado del momento, Brad Pitt, su actual pareja.

Su interpretación de madre coraje en el filme de Clint Eastwood basado en un hecho real, el de la desaparición de un niño en Los Angeles de los años veinte, y un caso que pondría de manifiesto la corrupción del departamento de policía de la ciudad, le puede aportar su segundo Oscar, pero en esta ocasión como protagonista.

Anne Hathaway por La boda de Rachel

Una de las sonrisas más cautivadoras de Hollywood. Tiene 26 años y es su primera candidatura al Oscar.

Hija de un abogado y de una actriz de teatro, y educada en el seno de una familia católica, a punto estuvo de orientar su vocación haciéndose monja.

Sus primeros pasos en la interpretación fueron en teatro y en televisión (con la serie Asuntos de familia). En la gran pantalla destacó desde su debut, con Princesa por sorpresa (2001), producida por Disney y coprotagonizada por Julia Andrews, que originó una secuela.


Se sacudió su imagen virginal como chica Disney mostrando los pechos tanto en Havoc como en Brokeback Mountain (ambas de 2005). El diablo viste de Prada (2006) le permitió compartir planos con toda una venerada, y también nominada, estrella como es Meryl Streep. Y en La joven Jane Austen (2007) se puso en la piel de la escritora de Sentido y sensibilidad.

El pasado ha sido un gran año para ella: éxito comercial con Superagente 86, y de crítica con La boda de Rachel, de Jonathan Demme, interpretando a la oveja negra de la familia. También en cartel la podemos ver en la comedia romántica Guerra de novias, y pendiente de estreno tiene Passengers. Entre sus próximos proyectos está su participación en la Alicia en el país de las maravillas que prepara Tim Burton, donde será la Reina Blanca.

Kate Winslet por El lector (The Reader)


A la sexta puede ir la vencida. Dos nominaciones como mejor secundaria, por Sentido y sensibilidad e Iris y ahora suma la cuarta como actriz principal, después de Titanic, ¡Olvídate de mi ! y Juegos secretos.

Tiene 33 años y su vocación viene de familia. Sus padres eran actores de teatro. De niña apareció en anuncios de publicidad. Pero empezó a brillar a los 19 años, con Criaturas celestiales, de Peter Jackson .


Imagen del prototipo de mujer corriente, también ha logrado sacar partido de su lado más glamouroso, por ejemplo, como dama de época en la película más taquillera de la historia, Titanic, junto a Leonardo DiCaprio. Y nunca ha ocultado que se sentía inferior a otras estrellas del celuloide por tener unos kilos de más.

Está casada con el director británico Sam Mendes, que la ha dirigido en Revolutionary Road, de nuevo y tras 12 años, reuniéndose con DiCaprio, en una interpretación que muy bien también le hubiera podido aportar la nominación como actriz principal.

Sin embargo, la Academia la ha preferido como esa revisora de tranvía que inicia sexualmente a un joven en la convulsa Alemania posterior a la Segunda Guerra Mundial, además de esconder un oscuro pasado. Una caracterización que le permite explorar no sólo su vertiente más erótica sino también afearse y mostrarse como una mujer marchitada por las circunstancias.


Meryl Streep por La duda

Es la actriz más nominada en la historia de los Oscar. La adaptación de su propia obra teatral que ha realizado John Patrick Shanley le ha aportado su candidatura número 15.

La estatuilla como mejor actriz la ha obtenido en dos ocasiones, como mejor secundaria en Kramer contra Kramer (1979), y como protagonista por La decisión de Sophie (1982).

En la pasada edición de los Globos de Oro, (también la actriz más nominada en estos premios, con 23 candidaturas), hizo doblete en las nominaciones, tanto en el apartado de actriz dramática, por La duda, como en el de comedia o musical, por Mamma Mia !. Un registro que demuestra una vez más que no sólo es una actriz para melodramas.


A sus 59 años, y premios a parte, lo mejor que puede decirse de ella es que ha logrado mantenerse en lo más alto, tanto por el reconocimiento de crítica y público, durante cuatro décadas, desde los setenta. Su debut en el cine fue en 1977 con Julia, dando la réplica nada menos que a Jane Fonda y Vanessa Redgrave.

Amante de la vida sencilla, es madre de cuatro hijos, pero sólo Mary Willa (Mamie Gummer en su nombre artístico), ha seguido sus pasos en el mundo de la interpretación.


Melissa Leo por Frozen River (Río helado)


La primera nominación para ella le llega a sus 49 años. Y es la apuesta menos comercial en unos premios que siempre gustan de incluir algún intérprete alejado de los oropeles del estrellato y los ecos de Hollywood.

Esta neoyorquina de nombre completo Melissa Chessington Leo, es también toda una veterana, aunque su rostro no sea familiar para el gran público. Entre sus trabajos más destacados están 21 gramos o Los tres entierros de Melquíades Estrada .

Empezó a los diez años con la teleserie All my Children (1970), pero ha tenido que esperar a superar los cuarenta (la edad en que la mayoría de actrices de Hollywood empiezan a declinar) para ver reconocidos sus frutos.

Su trabajo en la producción de corte independiente Frozen River, ópera prima de la directora Courtney Hunt, le ha valido varios premios, entre ellos la Concha de Plata a la mejor actriz (ex aequo con Tsilla Chelton por La caja de Pandora) en el pasado Festival de San Sebastián.


La interpretación de una mujer, abandonada por su esposo, y que para hacer frente a las graves penurias económicas decide aliarse con una chica india (de la reserva de los mohawk) para cruzar inmigrantes ilegales desde Canadá a Estados Unidos, a través de las heladas aguas del río Saint Lawrence, es de las que dejan huella.

5.2.09

En Terapia: reto de guionista

El Dr. Paul Weston coloca por tercera vez los cojines del sofá y mira su reloj con impaciencia. Escrito entra en la consulta por la puerta del jardín.

- Hola, Dr., disculpe mi retraso. Es que esto está a un huevo de distancia del centro, está mal comunicado y no tengo coche, ¿sabe? Soy guionista.

El Dr. sonríe levemente y hace un gesto señalando el sofá. Los dos toman asiento.

- ¿Qué ha querido decir, que no tiene coche porque es guionista?

- Sí, eso mismo.


El Dr. mira a Escrito fijamente durante un rato.

- ¿No hay guionistas que conduzcan?

Escrito piensa un segundo y tuerce el gesto.

- Coches de choque en las fiestas del pueblo, quizá.

- Perdóneme. No le conozco de nada y quizás me falle la intuición, pero ¿no le parece que se pone límites a sí mismo por el hecho de ser guionista?

- Mmmm... No.

- ¿Acaso si tuviera coche sería un mal guionista? ¿Es que tiene miedo a no estar a la altura en su profesión?

- La verdad es que tengo miedo a conducir. Y al dentista. Siempre que voy lloro un poco en la sala de espera.

- ¿Ha venido por eso?

- No, he venido para felicitarles.

- ¿Felicitarnos?

- Sí, a los de la serie. Es cojonuda... Quería escribir una carta pero me he dicho "¡qué coño! Voy a pasarme por allí y se lo digo directamente".

- La verdad es que no le entiendo. ¿De qué serie habla?

- Oh... No puede salirse de su personaje, ¿verdad?

- No soy ningún personaje. Soy Paul Weston y ésta es mi consulta. Usted ha venido aquí por algún motivo y estoy intentando averiguar cual.

- El nombre Gabriel Byrne no le dice nada, ¿verdad?




El Dr Weston se encoge de hombros.

- Curioso que me lo pregunte. Casualmente es el único hombre sobre la faz de la tierra con el que accedería a tener relaciones sexuales. Pero no le conozco personalmente.

- Ya. No se preocupe. Yo también soy un personaje. Un personaje de un blog.

El Dr. Weston guarda silencio y mira de reojo el reloj de pared.

- Explíqueme eso de la serie. ¿De qué va?

- Pues, usted es el protagonista. Su personaje es un psicólogo muy bueno...

- (le interrumpe)... es que soy un psicólogo muy bueno.

- Ya. Pues en la serie trata a varios pacientes. Los lunes trata a Laura, una loca que moja bragas con usted. Los martes trata a un militar con delirios de grandeza. Los miércoles a una colegiala suicida. Los jueves viene esa pareja insoportable que no para de pelearse... Y los viernes es usted el que va a una psicoanalista.

- Así que tengo toda la semana ocupada.

- Sí. Es una serie diaria. Eso es lo que más me asombra, que una serie diaria sea tan buena. ¡Y con apenas escenarios! No hay flashbacks fuera de la consulta ni nada de eso. Cada capítulo es como una pequeña obra de teatro en la que usted y su paciente pegan la hebra sin parar.

El Dr. Weston sonríe.

- Suena un poco aburrido.

- ¡No lo es! Porque los guiones son sublimes. Escribir un capítulo de In treatment es todo un reto para cualquier guionista. No todos podrían... Yo, no.

- Mmm... De nuevo parece dudar de su capacidad como guionista.

- Yo no dudo: SÉ que no soy capaz... Por ejemplo, ¿ve lo que acaba de hacer?

- ¿El qué?

- Esto es un diálogo en forma de espiral, como los de la serie. Hemos vuelto sobre el tema de mi incapacidad como guionista, pero avanzando un pasito más, siempre avanzando un pasito más.

- No, no creo que hayamos avanzado. Sigo sin saber por qué está usted aquí.

- Pues por admiración, por envidia... Por cierto, ¿está Rodrigo García? A él también quiero felicitarle.

- ¿Quién es Rodrigo García?

- Es director, productor, guionista...

- ¿Lo hace todo él?

- Bueno, no creo que lo haga él solo, pero mucho sí hace, eso seguro. Además, es hijo de García Márquez, el muy cabrón.

- ¿Qué tal se lleva con su padre?

- ¿Mi padre? ¿De verdad le interesa? Verá, pues mi viejo es una persona peculiar...

El Dr. Weston se pone de pie.

- Cuéntemelo otro día. Ha pasado su hora. ¿A qué nombre pongo la factura?

¿Guionista profesional?

En todo momento de la vida de un guionista, hay una frase que marca el antes y el después en tu sueño de "escribir".

Normalmente, es una frase que señala, claramente, que has pasado la frontera del amateurismo para meterte en la profesional. Y dirán "¿Cual, cual, maldito bastardo?". Sí, siempre les imagino nerviosísimos y alterados, qué le voy a hacer... Pero en fin, me arriesgaré y les diré: Esperen, que voy a soltar una chapa antes.

Mucha gente hace una misma pregunta a los guionistas bloggeros (o los que ven sueltos por ahí, intentando que alguna mujer les haga caso si son tíos o intentando que sus compañeros de trabajo le hagan caso PERO LABORALMENTE, si son mujeres), de manera insistente: "¿Qué debo hacer para ser guionista, maldita escoria?" (Hay que ver como eres...). Aunque la pregunta tenga una misma concepción formal, puede tener 2 significados:

a) ¿Cómo podría llegar a ganarme la vida escribiendo?

b) ¿Cómo podría hacer llegar mis ideas a gente que las convierta en cine/TV?"

El significado b) es tan bonito que dan ganas de llorar (de pena, como cuando ves a un niño en una peli de Vietnam que en la primera media hora dice: "me he alistado, ¡vamos a reventar a esos amarillos!"), pero lamentablemente, lo más común es que el individuo se refiera a la intención a), concretamente con 3 variantes:

a-1) ¿Cómo podría llegar a cobrar un sueldo por cosas que me gusta hacer (y que puedo hacerla delante de mis padres sin avergonzarme)?

a-2) ¿Cómo puedo ganar dinero inventándome cosas? Es que otra cosa no me sale muy guay.

a-3) ¿Cómo puedo vivir del cuento como tú, maldito juntaletras con gafitas?

La a-3 (a parte de ser una autopista muy concurrida en verano) es, sorprendentemente, una elección muy utilizada por gente que se acerca a hablar o preguntar en muchos foros, pensando que oye, "para la mierda de tele y de cine que se hace en este país, tampoco debe ser muy difícil". Algunos hasta te lo dicen así. Jeje, campeón...

Suele ser gente que te mira con cara de: "a quién conocerás tú para estar ahí...". Esto pasa: hay gente que no puede creer que, simplemente por lo que escribes, puedas estar currando. No pasa nada. Supongo que si no trabajás en el medio, conoceras también a gente así en vuestro curro, ¿verdad?. Se personifican en listillos que se apuntan a cursos o conferencias según los profes o ponentes, para "hacer contactos", pero sin tener nada que ofrecer más allá de promesas de "saber hacer" y cuya única película escrita es la de su propia vida. Es gente que se siente que ha nacido para ser algo sin haber intentado nunca demostrárselo. Algo así como cuando Paquirrín entrenaba en el Real Madrid en alevines...

Lo malo es que, como decía el otro día tomando un té (sí, hablo solo y bebo té) el Pianista, el mejor contacto que puedes hacer en esta carrera es el de tus dedos con las teclas del ordenador. Esa es la respuesta y créanme, la única válida: aporrear teclados y escribir cosas decentes, buenas, divertidas, originales o geniales, como puedan. Luego ya vendrá el oficio (o no, que de todo hay y muchos se lo pueden permitir).

Nunca he conocido a un coordinador de guión, productor ejecutivo, jefe, etc... que pida pruebas de guión para una serie sin intención de escoger las que más le gustan. Y fuera gustos, esto suele incluir las mejores (o mejor dicho, las más acertadas) en ese registro, en esa idea. Lo digo por experiencia. El cine ya es otro cantar... ahí hay que lidiar con factores tan marcianos que no existe una norma. Ahí es una guerra de francotiradores, amigos.

Pero en fin, yo venía a hablarles de otra frase, otra sentencia que suelen oír los guionistas en su vida y que va a marcar más que ninguna otra esa frontera que, al traspasarla, pondrá el sello de "guionista profesional" en tu currículum.

La frase, inevitablemente oída en una comida familiar del tipo que ilustra este post, es:



"Oye, me ha pasado una cosa... que te va a valer para un guión, ya verás".
Y entonces la tienes que oír por cojones, porque te la quieren contar. Inevitablemente, tras la frase, el 98% de lo que te cuentan algo del tipo: "he ido al mercado, he comprado naranjas... ¡y me las he dejado en el autobús!". Algo en lo que, quizá Medem pueda descubrir una película porque se cierre un círculo o algo así, pero que normalmente no te quita mucho tiempo en la cabeza. Suelen ser historias que, como más curradas, podrían dar para un corto amateur con colegas de la uni...

Pero eso no es lo que importa. Lo que importa es si te paras a darle una vuelta, si te parece guay que tu tío político intente involucrarse en el maravilloso séptimo arte... o te jode. Si te jode que te vengan con esas batallas, amigo... es que ya estás ahí.

El cine se aproxima a la tercera dimensión

REPORTAJE de ROCÍO AYUSO


Primero fue la llegada del sonoro: el estreno de El cantor de jazz en 1927 marcó el principio del fin del cine mudo y la primera gran revolución cinematográfica. La segunda fue la introducción del Technicolor en los años treinta. Siete décadas más tarde llega la tercera: el cine 3D, tridimensional o estereoscópico. Visionarios de la industria como James Cameron, Jeffrey Katzenberg o George Lucas la defienden como definitiva. Cuando el espectador la viva, sostienen, ya no habrá marcha atrás.

"Las otras dos revoluciones mejoraron la experiencia que traían al público pero ahora lo que queremos es introducir al público en esa experiencia y volver a hacer del cine algo especial", afirma el mayor defensor de este nuevo paso del séptimo arte, Jeffrey Katzenberg. Responsable de los estudios DreamWorks y nombre poderoso en el mundo de la animación, Katzenberg también se puede atribuir el título del profeta del 3D. Hace dos años se comprometió a hacer toda su producción en 3D a partir de este año y piensa demostrarlo con el próximo estreno de Monstruos vs. Aliens. El pasado fin de semana regaló en EE UU 125 millones de gafas estereoscópicas para que los espectadores sintiesen la magia del 3D en un anuncio mientras se emitía, en máxima audiencia, la Superbowl.

Katzenberg no está solo en la defensa del 3D. Los pesos pesados de la industria están con él: Steven Spielberg y Peter Jackson preparan Tintín en 3D; Tim Burton piensa estrenar Alice en este formato; Robert Zemeckis lo utilizará en su versión de A Christmas Carol; George Lucas está revisitando su saga de La guerra de las galaxias para añadirle una nueva dimensión; John Lasseter hasta tomó las fotos de su boda en relieve, y James Cameron mira al futuro con el estreno este año de Avatar. Los estudios Disney tienen previstos 11 estrenos en 3D para la temporada 2009-2010 y otros seis para el 2011. Y Hollywood una docena de filmes para este año. Se trata además de una oferta variada porque junto a las cintas animadas de DreamWorks o de Pixar, estudios totalmente comprometidos con esta revolución, llegan títulos en otros géneros como el documental musical de los Jonas Brothers en concierto, el filme de horror My Bloody Valentine 3D, o los grandes espectáculos de ciencia ficción tipo Avatar. Incluso el género porno se ha sumado al carro con el anuncio de la que será la primera película erótica tridimensional, 3D Sex and Zen. "No veo ninguna razón por la que en unos cinco o siete años todos los filmes no sean en 3D", asegura Katzenberg. "Juno, La reina, Transformers... no habrá diferencias. El cine será 3D porque una vez demostrado que existe algo mejor ¿por qué echarse atrás?".

El estreno de Bolt, filme animado que hizo más de la mitad de su taquilla en EE UU en las salas de 3D, parece darle la razón. Eso a pesar de que el número de copias estereoscópicas del filme no superaba el 32%. Lo mismo ocurrió con Adventure at the Center of the Earth, el estreno tridimensional más taquillero hasta la fecha que generó el 50% de su taquilla con un 30% de copias estereoscópicas. Además, los filmes exhibidos en 3D permanecen más tiempo en la pantalla. Según un análisis de mercado presentado en 2008, las proyecciones en 3D atraen el doble de público que las tradicionales salas 2D y los ingresos por cine son tres veces más elevados. Otro estudio hecho público este año en la Convención anual de Consumo Electrónico que se celebró en Las Vegas mostró que un 15% del millar de espectadores encuestados habían visto al menos un filme en 3D en los últimos 12 meses. Una cifra nada desdeñable dado el escaso número de estrenos estereoscópicos en el 2008 y el precario número de salas preparadas para llevar al espectador a la tercera dimensión.

Para Katzenberg y el resto de los implicados en esta revolución, la invasión del 3D no ha hecho más que empezar. Aunque el origen de las imágenes estereoscópicas date de 1890 y tuviera su auge en el cine en la década de los cincuenta. Entonces Hollywood, asustado por la competencia que suponía la aparición de la televisión, se inventó una nueva forma de retener al espectador en las salas: El cine en 3D. También se llamó el cine "con gafas" por la necesidad de utilizar lentes, normalmente de cartón anaglifo (un ojo rojo y otro azul) para ver una imagen por lo general borrosa pero tridimensional. Así nacieron cintas como Bwana Diablo de la selva, Los crímenes del museo de cera o Vinieron del espacio y así murió unos años más tarde una revolución que entonces no pasó de ser una atracción de feria. ¿Qué ha cambiado desde entonces? "Este no es el 3D de mis padres", insiste Katzenberg, quien incluso bromea con el fracaso de sus predecesores. "Un negocio que hace vomitar a sus clientes no es muy buen negocio". No es como para tomárselo a broma porque además de la mala calidad de las películas y de las proyecciones, el 3D de antaño es también recordado por la molestia en los ojos y dolores de cabeza que provocó. Ni las gafas, más sofisticadas, ni el sistema utilizado es el mismo, pero el recuerdo de aquella experiencia hace dudar. La diferencia, sin embargo, reside para Katzenberg en una sola palabra: digital. "Es la promesa del futuro. El cine digital transformó el campo de los efectos especiales y ahora le toca transformar la experiencia cinematográfica aumentando la dimensión del cine e introduciendo al espectador en una experiencia envolvente".

Para George Lucas lo más interesante de esta revolución es que facilitará de una vez por todas la transformación de los cines en salas digitales, que lleva un gran retraso. Porque mientras que en el campo del sonido hemos pasado en poco tiempo del vinilo al cassette y al CD y al iPod, en lo visual no hemos pasado del tocadiscos. En EE UU existen hoy unas 5.000 salas digitales. Sólo 1.500 están preparadas para una proyección en 3D. Katzenberg espera que la cifra llegue a las 2.500 salas estereoscópicas para cuando estrene en mayo Monstruos vs. Aliens y que para la llegada del nuevo Shrek en 2010 el número ascienda a unas 7.500. "Desgraciadamente el ritmo es más lento de lo que creímos hace un año", lamenta el ejecutivo. La razón de ese pinchazo no es otra que la crisis económica mundial.

Todas las revoluciones tienen un precio y la del 3D no iba a ser menos. La conversión de un sistema de proyección digital a uno 3D está por debajo de los 20.000 dólares (15.450 euros), una cifra no excesiva en este mercado. Pero la de un teatro de toda la vida en una sala digital es algo más costosa y la factura está en los 75.000 dólares (unos 58.000 euros). El coste también es mayor para los estudios, al menos en principio. Katzenberg calcula en un 10% el incremento en el presupuesto de Monstruos vs. Aliens sobre cualquier otra producción 2D del estudio, en torno a 150 millones de dólares (115 millones de euros). Un coste que espera rebajar en próximas producciones en cuanto quede amortizada la inversión tecnológica. "En nuestro caso es como si hiciéramos la película tres veces, una para el ojo derecho, otra para el izquierdo y una tercera para el rendering final que dé la profundidad de campo. Pero en filmes de imagen real el proceso es menos costoso. A menos que tenga gran cantidad de efectos especiales. Entonces la cifra vuelve a subir", comparte el productor. Al espectador también le tocará arrimar el hombro. Katzenberg ya le ha puesto un precio a esta "experiencia de primera". Habla de unos cuatro euros más de media por entrada que el público deberá de pagar si prefiere ver Monstruos vs. Aliens en 3D en lugar de en una copia 2D.

No están las cosas para desmanes económicos. Durante años, las salas de cine han retrasado su conversión al digital por culpa del costo y por no ver en esta inversión un claro beneficio. Y con presupuestos que se mueven de los 150 millones de dólares hacia arriba en el caso de los grandes estrenos de la temporada, los estudios se lo piensan mucho antes de dar luz verde a cualquier proyecto. Pero si la actual revolución del 3D tiene como enemigo la crisis económica mundial, a su favor está la más honda crisis que vive el sector cinematográfico. Según un estudio de Veronis Suhler Stevenson, en 2007 una persona dedicó una media de 973 horas a ver televisión por cable o por satélite. El consumo mediático disminuye cuando se trata de los canales de televisión generalista, a los que los estadounidenses dedicaron 639 horas, y a gran distancia está Internet, donde pasaron 189 horas. El tiempo dedicado a ir al cine no superó las 12 horas de media por persona al año.

Además, una encuesta del Jupiter Research de finales de 2008 confirma los peores temores: el 32% de los encuestados asegura que dejará de ir al cine ante la actual crisis económica. Es una respuesta ya conocida. De 1931 a 1932 la taquilla perdió un 26,7% de sus ingresos por culpa de la recesión. Y, más recientemente, la crisis económica de 1991 vino seguida de una caída de la taquilla del 4,4%. Por el momento, el golpe no es tan duro y las cifras dadas por Box Office Mojo cierran 2008 con una recaudación total de 9. 630 millones de dólares en EE UU, una caída de un 0,3% sobre el récord de 2007. El problema es que el descenso es mucho más elevado en número de espectadores con un 6,7% menos de audiencia que el pasado año.

"El 3D devolverá a los cines a aquellos que han dejado de ir", insiste Katzenberg. Hoy por hoy, la revolución estereoscópica está volcada en los cines. Existen avances para llevar esta misma experiencia al hogar pero por el momento es una idea lejana. Incluso en los televisores 3D mostrados durante la Convención del Consumo Electrónico es necesaria una total oscuridad y una gran proximidad a la pantalla para poder disfrutar de la experiencia. "Y los espectadores no se quieren meter en un armario", bromea Katzenberg. Además, una vez más el bolsillo es el que habla. Un gran número de hogares cuentan con una pantalla plana de alta definición adquirida en los dos últimos años, aparatos por lo general no preparados para la proyección estereoscópica.

Hay más razones detrás del empuje que están dando los grandes al cine tridimensional. "El 90% de la piratería en el mundo procede de las copias que hace de forma ilegal alguien sentado en una sala de cine con una cámara. Con el 3D podremos detener eso", explica Katzenberg.

Por el momento, las tres dimensiones están estrechamente ligadas al uso de gafas en el cine. Sin ellas, lo que se ve en la pantalla es una imagen más o menos desenfocada. Otras ventajas del 3D o simplemente del cine digital es la facilidad de manejo, que no requiere más que llevar un disco duro a la cabina de proyección. "La única desventaja del 3D es que no puede hacer buena una mala película", afirma.

Visto así, no es de extrañar que los estudios DreamWorks hayan tirado la casa por la ventana este fin de semana incluyendo un anuncio de Monstruos vs. Aliens de 90 segundos en 3D en una retransmisión que cobra una media de tres millones de dólares por 30 segundos de publicidad. Eso, además del costo de la distribución gratuita de las gafas. Pero no existe revolución tecnológica sin lucha de patentes y el 3D no iba a ser diferente. El 95% de la penetración es del sistema RealD aunque existen otros estereoscópicos rondando como el de 3ality Digital que los entendidos prefieren para aumentar la profundidad de campo. También están los piques artísticos. Bajo esa imagen de todos a una que ofrece esta revolución están las críticas de sus autores. Cameron criticó recientemente a Tim Burton por rodar Alice con técnicas 2D en lugar de planificar desde la preproducción y el rodaje el formato 3D en el que será exhibida la cinta. Katzenberg prefiere no meterse en la polémica, aunque recalca que en Dream-Works el proceso de 3D se vive desde la primera semilla. "Otros estudios como Disney están volcados en transferir sus películas antiguas al 3D", comenta de las anunciadas versiones de Toy Story y de La bella y la bestia en estereoscopia. "Nuestra meta es otra", añade equiparando esta transformación de películas 2D en 3D al proceso de "colorización" al que se sometieron numerosos filmes en blanco y negro tras la llegada del color.

La otra polémica es el uso que se le da al 3D en esta nueva ola de estrenos. Cuando Katzenberg asegura que no es el 3D de sus padres también le quiere despojar de ese aurea de truco de feria, el uso de la tridimensionalidad para apuntar, por ejemplo, una lanza al espectador desde la pantalla. "No nos gusta romper la cuarta pared", admite el presidente de DreamWorks. John Landau, productor de Avatar, está de acuerdo y, por parte de Disney, Mark Zoradi asegura que lo primero es valorar si el proyecto ganará en 3D. Sin embargo, hasta la fecha la película más taquillera del mundo estereoscópico, Adventure at the Center of the Earth, se atreve incluso a orinar al público desde la pantalla y el estreno de My Bloody Valentine 3-D le hace sentir como si estuviera rodeado de grandes llamaradas. "El planteamiento de muchos estudios de Hollywood es el de limitar los efectos del 3D para que sus filmes sigan funcionando en 2D y lo que acaban haciendo es una especie de 2D y medio", comenta Ben Stassen, realizador de Fly Me to the Moon, uno de los filmes de animación tridimensional más deseados en el pasado mercado europeo de Berlín.

Europa tampoco quiere perderse esta revolución y aunque el número de salas está muy por detrás de EE UU, sus producciones van en aumento. La celebración del Cartoon Forum, principal foro de la animación europea donde confluyen estudios, productores, distribuidores y televisiones a la búsqueda del próximo proyecto taquillero, cuenta con dos ideas estereoscópicas, The Mischievous Fox & the Straight Tailed Pig, de Noruega, y Cendrillon, de Francia, aunque es posible que la cifra aumente antes de su celebración el 4 de marzo en Lyon (Francia). Y en España, donde el número de salas en 3D roza las 30, la lista de proyectos autóctonos tridimensionales va en aumento. Junto a El cuento mágico, de la catalana Orbita Max, en animación previsto para un futuro cercano está Goleor, el nuevo filme de Kandor Moon, productores del filme candidato al Goya El lince perdido.

4.2.09

Dos grandes dramaturgos se encuentran en escena

Miguel Lugo, Fabiola Zepeda, Mario Iván Martínez y Sara Isabel Quintero exploran La secreta vida amorosa de Ofelia

GUADALAJARA, JALISCO.- Partiendo de una escena de Hamlet, de William Shakespeare, en la que aparentemente ya todo está dicho, Steven Berkoff desmenuza al máximo un diálogo para crear un nuevo trabajo teatral, tan complejo como el original, pero explotando la fuerza amorosa de dos personajes que en el primer montaje prefieren callar y dejarse llevar por la tragedia.

Como resultado surge La secreta vida amorosa de Ofelia, pieza teatral que se basa en las cartas que se supone intercambiaron la doncella y el príncipe inglés y que La Nada Teatro, bajo la dirección de Miguel Lugo, ha decidido explorar. El estreno del montaje será este sábado 7 de febrero en el Teatro Experimental de Jalisco (TEJ).

"La obra trata de la correspondencia erótico-amorosa entre Hamlet y Ofelia. Tiene como punto de partida el segundo acto de Hamlet, de Shakespeare, en donde se refiere y se dice de una correspondencia entre ellos dos. Berkoff toma eso para escribir entonces la correspondencia de la que se habla", explica en entrevista Lugo y aclara que no es necesario sumergirse en la primera historia para poder adentrarse en ésta, que da la apariencia de llevarse a cabo de manera simultánea en una dimensión paralela.

Es quizá por esta misma situación que la obra de Berkoff ofrece un reto al director, sobre todo cuando se recapitula que la obra se basa en una serie de cartas, lo que supone -por obvias razones- ciertas dificultades para trasladarla a la escena.

Pero justamente fue eso, entre otras cosas ("la posibilidad que nos ofrece de adentrarnos en el mundo isabelino, de estudiar forzosamente a Shakespeare por la referencia que tiene, la obra en verso, con personajes con un peso y una carga histórica tan importante"), lo que le hizo ojitos a Lugo para decidirse a montar la obra.

El trabajo sugiere también un encuentro con la otra cara de Hamlet, "un personaje herido del alma y en esta obra tiene la oportunidad de encontrar a este otro ser que sublima o logra calmar un poco ese dolor, que es Ofelia (interpretada por Fabiola Zepeda)", explica Cervantes, quien da vida en escena al príncipe.
Gertrudis, interpretada por Sara Isabel Quintero, viene a cerrar la obra, para regresar a la historia original a los personajes que han escapado hacia su mundo secreto. "Es el texto que viene marcado por Shakespeare, tal cual", advierte la actriz.

3.2.09

Fiorella Flores
















Fiorella Flores escenas de fotos

Las modelos de Habacilar en Máncora

Habacilar: Las modelos en Máncora en el siguiente orden.
Emilia Drago
Melissa Loza
Fiorella Flores
Thalia Estabridis

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Chicas de calendario

La musa de muchos sueños eróticos

Sesion de colageno a la que se somete Fiorella Flores modelo de Habacilar y actriz de "Asi es la vida", para endurecer las pompas


Que pendejo el doctor, sólo le faltó jugar 3 en raya. en esas nalgas.......


http://www.youtube.com/watch?v=SDxFx3Nx8hY


Teatro erótico - cultural

¿Qué es un teatro erótico? Descubre otra forma de hacer teatro en Consentido, espacio erótico-cultural dónde encontrarás esta y otras muchas propuestas.

Teatro erótico


Hace unos días miraba por tercera o cuarta vez “Entrevista con un Vampiro” –obra de Anne Rice que recomiendo para aquellos que gustan de la literatura de terror con cierto touch erótico–, cuando recordé una nota que había leído en algún lugar acerca de las representaciones teatrales eróticas –bastante más que eróticas, para decir la verdad–, que se escribían en el siglo XVIII para regocijo de los nobles, entre las que se pueden mencionar “Le Bordel ou le Jeanfoutre puni”, del Conde de Caylus, escrita en 1732 y “Libertine”, la pieza de Francis Pornon –sugestivo el apellido, ¿verdad que sí?


Pues bien, la escena del filme en la cual los protagonistas van a la representación de una obra de ese cariz, reproduce más o menos fielmente una de las diversiones preferidas de los nobles y los miembros de las clases opulentas en los tiempos anteriores a la revolución francesa.


Algunas de esas obras han sido rescatadas y se ha hecho un muy buen estudio en “Théâtre érotique français au XVIIIe siècle”, publicado por Editions Terrain Vague, París, en 1992.



Hace más de diez años, en el Théâtre Monmartre-Galabru, en el 4 rue de l´Armee-d´Orient, en París, se representaba una versión adaptada de la mencionada “Libertine”, que consistía en un unipersonal a cargo de Christine Melcer, que amenizaba a los espectadores con los voluptuosos vestidos de la época, llevándolos con el monólogo a recorrer un viaje por el corazón de la literatura erótica del siglo XVIII, desde Sade a Laclos; Chenier a Diderot, y una gran variedad de autores anónimos que se dedicaron a escribir textos subiditos de tono ya por esa época. Y antes de comenzar la función, se invitaba a todos los espectadores con una copa de champaña, servida por un criado vestido de época y con peluca empolvada.


He escuchado decir por ahí que también había otros teatros, no tan publicitados, donde las obras no eran unipersonales y se representaban con lujo de detalles. Por lo menos una de esas obras, según pude saber, sirvió como argumento para un film condicionado.


¿Seguirán las representaciones en vivo todavía? No me extrañaría. Los franceses son muy de hacer esas picardías.

Espiando a través de la cerradura


Todo lo que merece ser publicado acerca del Erotismo

Adictos al orgasmo

La revolución que vivió la mujer en los últimos años ha provocado pánico en los hombres, que hoy se preguntan cuán necesarios son para generar placer en la mujer. Por eso, la situación les provoca angustia.


Desde que la mujer comenzó a investigar sobre los placeres del orgasmo y a conectarse con el lenguaje de su propio cuerpo, el hombre dejó de ser imprescindible para la obtención del placer sexual.

Los mitos de antaño fueron superados a partir de la liberación sexual. La mujer abandonó viejos prejuicios sociales y le dio valor al goce sexual y a la sensualidad femenina.

A la par de esta revolución, el hombre comenzó a cuestionarse su verdadera función sexual durante la relación, y más aún a partir del descubrimiento de la mujer para generar su propio goce.

El hombre comenzó a sentir frustración y aparecieron los temores por los orgasmos precoces y hasta la obsesión por aprender a darle placer a su pareja.
Se alejó la ideología machista del miembro genital masculino como único provocador del orgasmo femenino.



Hoy muchos hombres aceptan la incorporación de nuevos estímulos para darle placer su pareja y lograr la estimulación necesaria que eleve el nivel de excitación y que dure por más tiempo.

Aunque en algunos perdura cierto mito sobre el tamaño, muchos han decidido investigar en el misterio del placer femenino.

Con las técnicas actuales de las terapias sexuales, se inició una nueva era, porque la búsqueda del placer en la pareja se ha vuelto un condimento imprescindible para el éxito de la relación, y muchos buscan alcanzar ese punto máximo de placer para que cada integrante obtenga el orgasmo tan deseado.

La lascivia de la amante de Nerón

Con tres siglos y medio de retraso sobre su estreno veneciano (1642), llega este martes al Liceo L'incoronazione di Poppea, de Claudio Monteverdi (1567-1643), drama sobre el sexo, el poder y todo cuanto suele rodearles: envidias, codicias, celos, traiciones, venganzas. Lo peor del género humano. Pero, como en un cuadro de Carpaccio, este cielo amenazador, se abre de repente para iluminar una escena íntima de delicada, incluso inflamada, poesía o bien un cuadro satírico, en el que los sirvientes convierten en farsa descarnada las cuitas dramáticas de sus amos. Una visión total del mundo, de aliento shakespeariano. No en balde el libretista, Giovanni Francesco Busenello (1598-1659), patricio veneciano consagrado a las letras, ha sido considerado por la crítica a la altura de Da Ponte o Hofmannsthal.

El título se convirtió en mascarón de proa del llamado "Renacimiento barroco" de los años sesenta y setenta del siglo pasado, de la mano de autoridades en la interpretación con instrumentos originales como Nikolaus Harnoncourt o René Jacobs. Y valía la pena devolverlo a la actualidad porque señala la culminación del recitar cantando, el estilo que dio origen a la ópera y que concedía una preeminencia absoluta a la palabra en la música, en un visionario intento por resucitar el teatro clásico griego. Por lo demás, L'incoronazione di Poppea es puro teatro de pago, fundamento del espectáculo moderno: Venecia revolucionó Europa en el siglo XVII, abriendo el derecho universal al consumo cultural, previo paso por taquilla. De ahí que esta obra sea un gran friso en el que intervienen por igual los dioses, los elegidos para la gloria y los que nunca accederán a ella: el público se había hecho heterogéneo y había que repartir escenas para todos los gustos.

"En esos primeros 30 o 40 años de la historia de la ópera se produjo lo mejor, luego ya tomó la pendiente", bromeaba en un encuentro con los medios la semana pasada el director de escena neoyorquino David Alden, responsable del montaje que se verá en el Liceo, coproducido por las óperas de Múnich y Cardiff (la próxima temporada, el Real también presentará la obra en otro montaje). "El sarcasmo y la humanidad que se encuentran en esta ópera configuran un collage posmoderno bastante más actual que las óperas de Verdi", decía provocador Alden en una sede tan verdiana como el Liceo.

La historia, basada en Tácito y Suetonio, entre otras fuentes antiguas, narra la trama de asesinatos -incluido el suicidio inducido de Séneca- que desencadena la cortesana Poppea -una institución muy del gusto veneciano- en su afán por casarse con Nerón y ser coronada emperatriz, cosa que logra y celebra en un lascivo dúo final. Una obra de dudosa moralidad. "Es una obra muy ambigua, nadie es completamente bueno, ni siquiera Séneca, que colabora con el régimen dictatorial. Pero junto a todo eso, hay pasajes muy líricos y otros muy cómicos, en los que la risa resulta liberadora". Alden toma partido en el montaje, por ejemplo caricaturizando descaradamente a los dioses: una Fortuna amanerada y caprichosa, una Virtud hosca y rígida, un Amor que gira sobre sí mismo. No esconde el director que ha intervenido para acercar la pieza antigua a la sensibilidad contemporánea. Cuando el montaje se estrenó, en 1997, algunos quisieron ver en la relación entre Nerón y Poppea una alusión al affaire entre Clinton y Monica Lewinsky. "No la había de manera directa, pero la combinación de sexo y poder produce unos comportamientos constantes. Yo opto por la abstracción, más que por la alusión".

Para estas representaciones se ha creado la Orquesta Barroca del Gran Teatro del Liceo, con especialistas en instrumentos antiguos, que estará a las órdenes de Harry Bicket. El director británico explicó que su interpretación no se basaba tanto en el revival de los años sesenta, cuanto en el espíritu de la partitura original, que conocemos por una transcripción atribuida a Francesco Sacrati (compositor de la misma época que Monteverdi) y que tiene completadas únicamente las partes vocales y unos pocos pasajes instrumentales, pero cuyo grueso orquestal queda confiado a un bajo cifrado, una suerte de base armónica sobre la que los intérpretes improvisan las melodías, muy al estilo del cañamazo (canovaccio) sobre el que los actores de la Comedia del Arte repentizaban los diálogos.

"Tratamos de recuperar el espíritu abierto de la interpretación de la época, construirla durante las representaciones", dijo Bicket, y añadió que entre el primer y el segundo reparto, que irán alternándose en las 10 funciones hasta el 15 de febrero, habría muchas diferencias, porque la Poppea incorporada por la sueca Miah Persson es como un sueño bergmaniano, mientras que la que hará la libanesa Isabel Bayrakdaran será como su reverso sombrío: "Los dos trazos conviven en Poppea". "Realmente, no sabemos quién es", corroboraba Persson, "vive instalada en un extraño sueño, como una fantasía erótica".

La obra es un gran friso en el que intervienen dioses y ajenos a la gloria

Dan a conocer EN TEATRO LA LITERATURA ERÓTICA AFRICANA

México, 28 Ene (Notimex).- En un montaje colorido y entretenido, basado en tres historias cortas del libro "Decamerón negro", de Leo Frobenius, la puesta teatral "Cuentos eróticos africanos", que reinició temporada en el Foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, recrea los mitos y costumbres de la cultura africana.

La compañía teatral Gomer Caracol Exploratorio es la encargada de llevar al público en este viaje por las pasiones, sentimientos y relaciones que se dan en torno al placer, visto como parte esencial de la vida, a través del colorido y el baile.

El montaje está basado en el libro "Decamerón negro", del antropólogo alemán Leo Frobenius, quien realizó un extenso trabajo etnográfico en el continente africano, el cual reunió la sabiduría, humor y visión erótica de esa región del planeta.

Bajo la dirección de Jesús Jiménez y Marisol Castillo, el tríptico escénico integra los relatos "Leyenda de las amazonas", "Un hombre cuyo oficio es el amor" y "Las hijas del juez".

El montaje inicia y concluye con un baile, con movimientos del cuerpo sin represión alguna, liberándose de las ataduras sociales y logrando el pleno gozo del alma de aquel continente.

El primer cuadro, "Leyenda de las amazonas", relata el primer contacto de un hombre y una mujer; resultado de esa unión sexual nacen 50 mujeres e igual número de hombres, quienes hablan con los elementos de la naturaleza, viven en las profundidades de la Tierra y un enorme río los divide.

Situación en la que una flecha y un jarrón representan de forma mítica la primera unión del "abbusch" y el "achatschum", palabras africanas usadas para los genitales femeninos y masculinos, respectivamente.

"Un hombre cuyo oficio es el amor" aborda la historia de tres hermanos que buscan trabajo. Uno es albañil, otro carpintero y el último tiene un oficio muy particular, ya que es un "nsani" o "un orfebre que trabaja mientras los demás hombres duermen".

En este segundo relato, dos damas vestidas con trajes sastre y sombrero son las narradoras del cuento de pasión y regocijo al estilo del cabaret y con música de jazz, que con indumentaria masculina recrearán a los tres hermanos y otros personajes.

El último cuadro, "Las hijas del juez", relata las constantes apuestas que realizan dos hermanas con un hombre que llega a trabajar para su padre y cuya función es representar al honorable juez cuando sale de viaje.

En la pieza escénica, las mujeres le ponen varios retos al joven, quien utiliza reflexiones legales para alcanzar, en dos ocasiones, una recompensa de 50 monedas de oro por mantener entretenidas en las noches al par de hermanas.

Muriel Richard, Marisol Castillo, Amada Domínguez y Marina Vera componen el elenco encargado de contar las tres historias eróticas que muestran, de una manera singular, la visión africana sobre las relaciones que se dan entre hombres y mujeres, acompañadas del tambor del músico Uzziel García Jacinto.

Con funciones los martes desde el 20 de enero pasado, en el Centro Cultural Helénico, "Cuentos eróticos africanos" apuesta por la sutileza y belleza de los relatos y utiliza el colorido y el baile para completar una atmósfera festiva y sensual.

1.2.09

Emma Watson se destapa y realiza sexy sesión de fotos para revista alemana



La actriz de Harry Potter posó ligera de ropa para una fotógrafa especialista en retratos eróticos

Los protagonistas cinematográficos de la saga Harry Potter parecen empeñados en quitarse la imagen infantil. Primero Daniel Radcliffe (Harry Potter) se desnudó para una obra de teatro sobre un joven que se enamora de su caballo. Y ahora le llegó el turno a Emma Watson.

Su ruta, claro, fue la clásica para las estrellas adolescentes que intentan demostrar que han crecido: una muy sexy sesión de fotos para una revista.

Watson escogió la publicación alemana Vs donde posó para la fotógrafa especializada en retratos eróticos, Ellen von Unvwerth.

En las imágenes se ve a la actriz vestida de blanco, con los ojos y labios muy pintados, ligera de ropa y retratada en tonos apagados y sepias al mejor estilo cabaret.

Este año, eso sí, en la pantalla no se podrá sacar de encima a Hermione Granger: estará en la nueva entrega, Harry Potter y el Príncipe Mestizo, además de filmar la última parte de la saga, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte.

«Mi método es quitarle importancia a lo que voy a hacer sobre el escenario»

Ha hecho un paréntesis en el rodaje de la serie de televisión 'Estados alterados Maitena' para representar esta noche y mañana en el Gran Teatro la obra 'La señorita Julia'

Primero fue la hija mayor de 'Pepa y Pepe', la serie de televisión que protagonizaron Verónica Forqué y Tito Valverde. Después se metió en la piel de Lucía, la vecina pija de 'Aquí no hay quien viva'. Y ahora muestra cada tarde su registro más cómico en 'Estados alterados', la producción que ha llevado a la pequeña pantalla las historietas de humor de la dibujante argentina Maitena.
María Adánez (Madrid, 1976) hace un paréntesis durante los fines de semana en el rodaje de la serie para pisar con fuerza las tablas de los teatros. Acaba de recalar en Cáceres para representar hoy y mañana 'La señorita Julia', un montaje en el que la actriz saca su lado más trágico. Conoce el terreno. En 2003 estuvo en la ciudad con 'El príncipe y la corista'. Su papel en esta obra le valió la nominación de la Unión de Actores como mejor actriz protagonista de teatro y el premio Ercilla a la mejor actriz revelación.

-Da vida a una noble que seduce a su criado. Strindberg escribió 'La señorita Julia' a finales del siglo XIX. ¿Cree que la obra puede tener una lectura contemporánea?

-Yo creo que sí. Ayer -por el miércoles- vi 'Revolutionary road', la de Kate Winslet y Leonardo DiCaprio, y al final habla de lo mismo. Habla de la eterna lucha hombre-mujer. Evidentemente, 'La señorita Julia' pertenece a otro momento histórico, donde la mujer todavía tenía los grandes problemas de la pérdida del honor y de la absoluta falta de libertad. La señorita Julia decide pasar la noche de San Juan con el criado y seducirlo, en lugar de irse con la familia. En aquella época eso suponía saltarse todas las reglas, toda la educación, y era considerada poco más que una prostituta. Al margen de todas estas cosas, también habla de la lucha de clases. Desgraciadamente, está muy vigente la función. Sigue habiendo mucho clasismo. Hay mucha gente con mucho dinero y muchos pobres. La diferencia de clases está ahí.

-En esta obra muestra su registro más trágico. Nos tiene más acostumbrados a la comedia.

-La historia es una tragedia. Es un personaje maravilloso, es uno de los personajes más importantes del teatro para una actriz. Estoy muy contenta. Se lo debo a Miguel Narros -el director-. Ya había trabajado con él en 'Salomé' y ha sido un regalo suyo.

-¿Un motivo para no perderse la obra?

-Creo que es un montaje maravilloso, tenemos unos músicos estupendos en escena, hay una pantomima muy bonita de Chusa Barbero...

-¿El teatro es una buena terapia para olvidarse de los problemas?

-Yo creo sí. Es una función necesaria, que no va a dejar indiferente a nadie. Tiene una gran carga erótica y sexual. Es una versión bastante distinta a las otras posibles 'Señoritas Julias'. Es distinta.

-¿Qué hace justo antes de salir al escenario? ¿Sigue algún ritual?

-Quitamos hierro al asunto e importancia. Cada actor tiene su método. El mío es quitarle importancia a lo que voy a hacer encima del escenario. Me voy concentrando desde que entro al teatro. El hecho de maquillarme, peinarme y ponerme el vestido hace que vaya entrando en el personaje. Ese es mi método.

-¿Todavía le pesa mucho el papel de Lucía?

-Cada vez menos. Afortunadamente, ya se está viendo mucho mi nueva serie. Lucía sigue ahí porque ha sido una serie muy importante y con muchísimo éxito. Estoy súper orgullosa de haber hecho 'Aquí no hay quien viva' y el personaje de Lucía me ha traído muchas cosas buenas.

-A propósito de su nueva serie. ¿Se siente identificada con las mujeres que caricaturiza Maitena?

-Sí. Esa es la clave del éxito de esta mujer. Ha sabido retratar muy bien toda esa serie de situaciones que nos encontramos: los miedos, el problema de ligar, de encontrar hombres... Es una maestra. No sé si nuestra serie estará a la altura de sus viñetas. Es maravillosa.

-Este fin de semana se entregan los Goya. ¿Tiene alguna película preferida?

-Creo que 'Camino' es maravillosa, pero no la he visto.

-¿Tiene algún proyecto para trabajar en el cine?

-Este año se van a estrenar dos películas mías, una americana y otra portuguesa.